黃尚禾：
影像和劇場的共同點在於看懂劇本、很誠懇地活在當下。不同的地方在於，能量傳遞的大小和方向不一樣，劇場可以跟觀眾正面對決，影像是把感受放在自己身上。
黃河：
目前還沒嘗試過舞台劇，一開始用影像演員的角度來看舞台劇，是會害怕的，因為它很龐大。第一次拍廣告時，曾被導演嫌棄情緒反應太慢，因為習慣戲劇的醞釀過程；但廣告的表演節奏要很快，「戲劇表現的過程」對於廣告來說會不夠快速、精準。
高偉哲：
從北藝大（以劇場為主要訓練）出來後，接觸影像表演之初也覺得很難掌握。影像服務攝影機與對手，劇場的投射是在整個空間。我覺得，影像與劇場最大的不同是「投射的媒介」，影像常使用「減法表演」；而廣告是，心中覺得好吃，畫面上看起來不一定好吃，因此，表演需要「被設計過」。
鍾瑶：
我非本科系出身，表演對我來說很抽象。最早先接觸到廣告，對我來說就是要「漂漂亮亮」的，主要聚焦在服務商業行為與商品，把商品服務好，好像就是廣告最大的任務，演員永遠是在second place。到了電影工作的時候，也被導演說過我走路走得太漂亮了，而重新適應。近期跨足電視劇也翻了很大一個跟斗，我需要從原本在拍電影時適應的「真實」，變成一個反應被要求停留三秒，要給鏡頭不一樣的語言與肢體。然而，現在電視、電影、廣告的界線開始轉變，去符合每個作品和導演想要的方向或形式就夠了，演員就是身在娛樂產業，我們就是要娛樂人的，如果過度專注在自己身上，或許會失去這個職業的本意。
錢俞安：
目前大概拍過70、80支廣告。「廣告」從試鏡開始就是「商品取向」，這關係到我們會被怎樣的「客戶」和「導演」挑選，他們需要的形象是什麼才是重點。大家可以想想看，自己在看廣告時，最能被激起的慾望是什麼？這就是我們在廣告表演時最需要傳達給觀眾的。
廣告是分秒必爭的行銷，被消費者訴求的東西，需要被放到最大，從試鏡開始就要把所有情緒做到最大，講「情緒」或許不太精準，應該說在我們看到腳本時，如果看到「特寫」的鏡頭，那就是「情緒」要傳達100％的狀態。在廣告拍攝中，「產品」絕對是最重要的，因此，也會花費大量的時間去呈現產品最好看的樣子。
在表演上的建議及演員如何準備廣告的演員功課？我們常會誤以為自己已經把情緒放到最大了，但如果去照鏡子或錄下來就會發現，其實有落差，我就會再想辦法把它放大。在演員功課的部分，我建議大家可以先去看每個廣告導演、品牌客戶拍攝過的作品，他們會有各自特定的喜好和風格，尤其廣告更是「客戶」為首，因此，試鏡前可以先做好這個功課，會有很大的幫助。
唐振剛：
廣告看「第一眼」的印象，跟MV都很看現場展現出來的「效果」，而影視的「效果」不全由演員決定。表演進入後期，就會由後期人員去決定他們要的效果；劇場在某種程度好像也是需要效果的，演員在演出與給予的當下就給予效果，這個經驗讓我明白什麼叫「觀眾是劇場的一環」，觀眾給演員的回應是最直接的。
我參與過《偽婚男女》的影視版和劇場版，當時先拍了影視版，才又演了劇場版，差別非常大，影視像是獨立創作角色，劇場是大家透過排練共同創作角色。劇場版從劇本開始的體驗就很不一樣，居然不知該從何下手，即使演過影像版，還是不知道怎麼做角色功課，在排練時也可以感受到肢體跟影像拍攝時很不同，像是排練時，我開始發現我在舞台上，手不知道怎麼擺；但因為有長達兩個半月的時間讓我去磨練，劇團其他的演員也幫助許多，我才了解，舞台劇是可以與其他演員共同創作的。
舞台劇的衝擊很大，明明在影像版和劇場版是演同一個角色，但是，現在留在身體裡的角色，幾乎是劇場版本，舞台劇讓我感受到「上場後角色還可以持續在長的感覺」，第一次巡演又跟第二次巡演的角色長得不一樣。
趙逸嵐：
劇場好玩的地方是會因各種因素的改變而產生不同化學效應。我發現，演員出來工作之後，表演大多在服務觀眾；學校是最幸福的地方，老師教我們要「服務角色」，進入業界卻開始要「服務觀眾」，所以我一直在找這兩件事的平衡，去思考表演的初衷。演員是想跟世界對話的，但演員又是被擺在很後面的位置，我們如何跳脫出來一點點，用角色跟世界溝通？
關於影像與劇場的差距，我覺得表演的核心與本質是一樣的，但表演的「節奏」就不一樣。譬如說，劇場可能要立即感受到觀眾的反應來調整表演，例如要「讓笑」。第二個是表演的「投射」不一樣，當我們在面對上千名觀眾時，要如何在大劇院的一樓到四樓之間選擇你的表演動作？在劇場表演時，演員常會讓自己的動作大於慣性的狀態，但這件事在影視上是不需要在意的，因為鏡頭會幫你說話。影視表演就可以比較趨近於日常，跟一般人說話或動作時比較像。最後，就是「觀看的選擇」不同，影像是經過導演、剪接師、後製挑選過後給觀眾看，而劇場則是觀眾當下可以自行選擇要看什麼。
蔡嘉茵：
從台大戲劇系學習，後來跨足電影。對我來說，可以從以下四個面向來看劇場和影像的差異：
對我來說，演完舞台劇會有一個「爽感」是：此時、此地、此刻、我完成了這世界上唯一的一場演出；電影是我可以不用調配我的體力，盡情地完成表演。舞台劇比較像完成一個任務，電影像完成一場表演。而在技術層面，劇場要感性的同時理性，也就是說，除了表演，也要兼顧技術層面，而影像表演，也有不要擋鏡頭等技術需照顧。
主持人吳芮甄提問
Ｑ：台灣有一派是追尋本色表演、寫實表演，但近期有越來越多「類型片」，演員在執行類型片時，表演上是不是很難真的「真實」？同時與技術是不是需要更多的配合？
黃河：
類型片的拍攝相對複雜，拍攝《紅衣小女孩》時，要呈現「驚悚感」，需要很多鏡位去完成，演員當下除了要做到「恐懼」飽滿真實的情緒，同時要配合攝影的「表演區域」的技能，甚至曾經被要求過希望在攝影師運鏡到什麼位置時，演員眼淚要掉下。這對演員來說，的確在拍攝類型片時，表演當下的真實外，也需要兼顧理性執行的一面，非常困難！
我在拍片前花了很長一段時間學表演，但我在拍片時花了更多時間去學拍片，演員需要在表演的當下打開，才能知道自己如何能跟其他部門配合。
趙逸嵐：
很有同感，我們要去知道燈光和其他技術人員正在做什麼，才能讓自己在表演時知道自己在幹嘛且游刃有餘。演員也要學習技術層面的細節，在表演時才能是安全的。
唐振剛：
演員要讓自己在現場「放輕鬆」，不是放輕鬆去玩手機，經歷過劇場訓練才知道，越了解劇組周遭在幹嘛，在現場越能放鬆表演。要做到表演的同時忽略周遭，就是去理解週遭在幹嘛，讓週遭的一切都是表演的一環，這樣你就能做到在意但又不在意，進而「放輕鬆」。
鍾瑶：
拍攝《海人魚》前需做很長期的訓練，在水中只能用手語溝通，除了身體上、心理上的問題要克服，因為技術層面的限制，也沒辦法一直重來，拍攝時間也有限，因此，水戲的拍攝很常是陸戲的兩倍。如何在有限的時間內拍出有效的畫面，是很重要的。那時候，很有趣的一個表演是，因為人的眼睛在水下無法對鏡頭對焦，我要表演出「正常」的眼神，卻需要做到「鬥雞眼」，在鏡頭上看起來才是對焦狀態，這是在表演上，很難真的「寫實」的部分，所以，當時攝影師也很會有技巧地抓出演員比較側面的畫面。
鍾瑶：
跟導演溝通就像談戀愛，技術上有一定的限制，彼此對於表演的喜好也不同。能夠符合導演想要的，也清楚表達我們可以為角色付出的程度即可。
蔡嘉茵：
劇場排練時，導演會比較期望演員在嘗試與創作的過程中給他「天馬行空」的驚喜；影像拍攝時，因為有比較嚴格的時間限制，導演會希望演員在他要的方向給「準確方向」的驚喜。
趙逸嵐：
舞台劇的準備時間比較長，會有很多即興的空間，但演出的現場有很多人在等待，演員的即興要很「準」，不然就是聽導演的。我跟不同領域的導演不會有不同的溝通方式，像鍾瑶說的就像在談戀愛，互相配合，各取所需。
黃河：
要澄清「跟導演談戀愛」不是真的去談戀愛，而是帶著「戀愛感」的心情面對拍攝工作和表演工作。拍攝工作是非常長時間、消耗體力與情感的工作，當你對這份工作保有戀愛感，你會比較願意去克服困難、去跟不同部門的技術人員溝通，遇到問題會想要去解決，會願意繼續嘗試，願意想辦法跟大家達到共識，一起讓一切更好。
趙逸嵐：
之前常在試鏡時被問是不是舞台劇演員，因為他們覺得我咬字很清楚。我覺得能被提醒（被問這個問題）是一件好事，表示我可能沒有很中性，還沒有準備好去承接任何角色。後來去試鏡時，我會讓自己輕鬆一點。
唐振剛：
我碰過導演跟我提過「某某演員有舞台劇底子」的時候，都是很正面的提醒，像是要我好好學習人家的口條。因為，影視出身的演員會有字幕的協助，比較容易忽略「把話說清楚」這件事。舞台劇演員的氣場和節奏，是很多導演提醒我可以學習的。我在《死神少女》跟小八（趙逸嵐）演過好兄弟，有一場打架戲，我以為他應該要是覺得委屈的狀態，但我感受到小八的能量很強，當下覺得壓迫感很重，所以我一直進不去狀態，後來我才理解那是因為小八的能量放很大，劇場演員的能量調配很不一樣。
高偉哲：
這裡想補充，「能量」不是指很誇張的肢體或表現性，沒有絕對相關，能量是人的「狀態」。劇場演員拍攝影像作品時，比較困難和需要調整的地方會是如何在一喊action就馬上進入狀態，因為在劇場是可以累加的，但要「切片地」進入狀態會是比較困難的。
鍾瑶：
大家對我的印象都停留在偶像劇，但其實我第一部電視劇是《死神少女》，早期也拍比較多獨立製作。第一次踏入偶像劇的時候，就被製作人提醒要多看舞台劇、觀察舞台劇演員，因為獨立製作的演員會比較聚焦在自己的能量和感受，比較不會放出來，但舞台劇演員的能量是360度的，不只在演員跟鏡頭之間。
蔡嘉茵：
我曾在拍電影時被說過「你看不出來是舞台劇演員」。我曾在北藝電影所有過半年的訓練，訓練完又馬上投入舞台劇演唐三藏，結果還沒找到「劇場與影像」的開關，排練初期很挫折，被導演覺得太內斂，調整後才找到方向。這很需要演員自己去拿捏才能做到，雖然很辛苦，但越排越多後就比較知道怎麼調整。目前，我的調整方式是：拍完電影，要進入劇場排練前，會先去看舞台演出；要拍影像表演之前，也會去看影像演出。
錢俞安：
很多試鏡資訊會強調「有劇場經驗尤佳」，我很常被問是否劇場出身，但其實我沒有劇場經驗，我試著去思考我的經歷跟被提問這個問題的關聯性，推敲是否「廣告表演」也是一種更精準到位的表演？會不會有一點像「劇場表演」？這是我在思考的。
#1
演員岱毅分享：
自己是廣告演員出身，覺得廣告就是「鬆」，廣告是很表面的東西，沒選上不要灰心，廣告表演就是要「吸睛」才可以抓住客戶和導演的眼睛，在非常短的時間把能量放到最大，抓到商品的精髓。比如說像肯德基就喜歡韓風、日風的演員，麥當勞、7-11就喜歡濃眉大眼的，不要害怕跑試鏡，多參與試鏡才會知道各廠牌、各選角的口味。
錢俞安：
如果大家有廣告試鏡的樣本數字後，你會發現你本人的「人設」和「質地」會有適合的角色，這是可以慢慢摸索出來的。慢慢找，在一樣的角色裡，跟別的演員不同在哪。
鍾瑶：
不只是廣告，相信大家在跑任何試鏡的時候都會經歷被拒絕、否定的挫折，但每一次的經驗都是一個試煉，這不是一條容易走的路，熬過被回絕的過程一直走，就可以找到自己的路。
#2
演員廖曉彤提問：
Ｑ：曾遇過在拍攝前的討論，導演要求他想要一個「接近劇場和電影寫實」的表演，大家如果收到這種指示會如何做轉換？
鍾瑶：
什麼是舞台劇的演法？什麼是電影的演法？每個不同的作品都有他的表演差異，但他的意思應該是希望能有電影的質感，但你的表演可以更放得開。
蔡嘉茵：
可能他希望演員維持在一個比較集中的狀態，不是說真的很生活化，他可能想生活化又想要有戲感，但大概就是希望能提高專注度吧。
黃尚禾：
我也聽過有些導演這樣跟我溝通，通常我自己會翻譯成「這個導演不知道自己要什麼」，我會先假裝好像聽得懂他的要求，先給出自己對於角色的準備，讓導演挑選之後再調整，不執著在劇場還是影像的表演方式。先把自己的東西丟出來，你就會知道是不是他要的，再去找你們有辦法交集的地方執行。
#3
演員曹晏豪分享：
在裝電燈的時候，對於今天的主題有了啟發，我該在不同的媒介做出怎樣的表演？就像我想把燈調黃一點，我就調黃一點的光，怎麼樣的調整可以讓大家都舒服。我常在表演的時候想「現在的觀眾是誰？」我們不外乎就是在分享生命經驗和故事，只要可以感動人，就是好的，我們都在傳遞好的訊息。不管是影視、劇場還是廣告，到後面都像是大家溝通的一個形容詞，假設劇場就是很戲劇性，電影就是很真實、表演力度比較微小，電視劇比較節奏表演，但有時候就會覺得，很像是我們在調光的時候，跟導演討論要調到什麼樣的色溫、亮度，共同完成作品。
黃尚禾：
第一次拍影視作品，很怕Boom離我很近，和Boom man說希望他不要離我太近，後來發現造成他很大的困擾，才理解到，知道每個部門在幹嘛，真的很重要。拿到紐約藝術簽證之後，跟表演老師聊：「表演像是煮一鍋湯，劇場表演像是無鍋蓋，所有空間裡的人都聞得到；鏡頭表演像是鍋蓋上有一個小孔，每個人透過小孔各自感受」。
趙逸嵐：
無論影像或劇場的表演，演員想要有氣場或能量，就去瞭解各部門在做什麼，然後讓身心處在很放鬆的狀態。
蔡嘉茵：
小八說的「鬆」像是獅子或獵人，他們的肌肉平常是放鬆的，但肌肉和專注度維持在一定程度，肌肉就會是有彈性的，你才有蹲下到站起來時所需的爆發力跟彈性。
主持人吳芮甄：
每種表演，只是「形式」不一樣，也都有最後要達到的「需求」，但在本質上都是希望能渲染觀眾、打動觀眾。演員要去詮釋不同形式的表演，應該更了解每一個形式最後的目的為何，同時去理解每個劇組其他的領域正在發生什麼事，不管是劇場、影視，我們都是Team Work，尊重彼此，才能好好合作。
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