課堂筆記｜高炳權Ｘ北村豐晴：何謂喜劇節奏？怎麼「抓」？

對許多演員來說，喜劇是表演路上的一大挑戰。日本導演北村豐晴在台發展多年，拍攝的電視劇、電影都帶有強烈喜劇色彩，叫好又叫座；而台灣導演高炳權甫以黑色喜劇電影《江湖無難事》獲金馬獎和台北電影獎多項肯定，無厘頭的故事風格，為台灣的類型電影帶來了不同的視野。

何謂喜劇？

在對談的一開始，問兩位何謂喜劇？高炳權率先表示，喜劇多有皆大歡喜的結局，可以讓觀眾開心地走出電影院，為平凡的日常創造抒發的出口；北村豐晴回憶自己的電影啟蒙者是導演蔡明亮，他心目中的喜劇其實是很「寫實」的，挖掘出了生活的況味，只是用喜劇的方式述說，而喜劇和鬧劇絕對是不同的，差別在於鬧劇更瘋，如同夢境，超脫現實甚至到突兀的程度。北村豐晴直指，許多人常混淆喜劇和鬧劇，因此在表演喜劇片段時太誇張，在鬧劇橋段時又太拘謹，他將自己的作品定調為喜劇，而非鬧劇。

何謂喜劇節奏？

相較於其他類型，喜劇表演很仰賴「節奏」，這也是許多表演者會提到的關鍵字。到底，什麼叫做喜劇節奏？

高炳權從「節奏」解釋，他舉梅莉史翠普為例，梅莉史翠普的表演節奏很「準確」，她會將戲切分成不同區塊來經營，理解文本後，再將其破壞重組，進而在當中暗藏驚喜，拳拳到肉。在喜劇的範疇中，演員天生的幽默感是無可取代的，當演員被賦予空間，就能夠自己切分節奏，當然，這需要不斷地累積經驗、練習。北村豐晴則表示，緊湊的劇情通常會比較好笑，因此當劇本本身的喜劇成分沒有那麼強烈時，就必須讓演員加強表演節奏。

喜劇表演的訣竅與特質？

然而，喜劇依然是戲劇，喜劇表演依然建構在「建立角色」、「進入情境」上，接著，就端看各導演追求怎樣的喜劇風格，也就是說，要多好笑、如何好笑。

高炳權表示，他的喜劇就像是「笨蛋的旅程」，笨蛋在完成目標的過程中會不斷跌倒犯錯，飾演「笨蛋」的演員只需專注在角色，並不用刻意「搞笑」，一旦順應情節，自然而然會產生喜劇效果。在這樣的前提下，「節奏」反而不是當務之急，演員要和導演確認喜劇的「強度」，意即導演追求的表現形式究竟多瘋狂？進一步挖掘角色的特質，將之轉化為「偏執」來服務劇本。

創作一齣成功的喜劇，演員的表演功不可沒，而演員的表演成功與否，則十分看重跟導演的溝通、共識。

在喜劇的世界裡，「合理性」並不是重點，演員要放得開、有彈性，不斷調整表演的強弱，就算導演要求很「形式」的表現方式，演員也要讓這個形式看起來很自然。北村豐晴常以日本名導的「三倍論」來和演員溝通，當演員心中出現了對表演的想像藍圖，北村豐晴就會請他們給出三倍的表演強度，以達成戲劇效果。從前期到拍攝現場，北村豐晴都會花非常多時間摸索、確認和演員們溝通的方式，測試每個演員的彈性，了解自己如何調整表演的收放。

緊張跟緩和的反差也是喜劇表演的笑點，例如在周星馳電影中，他常安排外型亮麗的女主角於出場時跌倒，就是一個簡單有力的笑梗。如何在表演上呈現反差？必然是演員的一大挑戰，除了在劇本創作和剪接階段精心安排Cue點，北村豐晴也常以演員的外型來形塑反差，牽動觀眾的心。

對導演們來說，喜劇除了要讓觀眾隨劇情和角色經歷一場旅行，還要引人發笑，因此，時時刻刻都要掌握作品的結構鋪陳，注意演員表演的張弛。文本上的笑點在現實中不一定成立，兩位導演都力求在拍攝現場一定要夠好笑，才能確保在剪接台上也是好的素材。

喜劇還具有「在地性」，一樣的劇情拿到不同的文化中，勢必會產生截然不同的意義，因此，設定目標族群相當重要。

美國的喜劇就致力於營造「情境式喜劇」，以利推廣到全球的娛樂市場。北村豐晴的作法則是在作品中融合親情、愛情等成分，以情感為影片帶來更豐富的可能性；正因如此，這些作品的重點依然會回歸到表演本身，而非只追求「笑」果。

怎樣才能當喜劇演員？

在講座的最後，高炳權建議有志於喜劇表演的朋友們可以先從模仿開始，不論是情境喜劇、單口相聲，都可以是你模仿的對象；藉由大量的觀影、練習，累積自己的資料庫，才能在表演當下做出對的決定、丟出對的笑梗。北村豐晴則喜歡將演員個人的幽默特質帶入作品中，鼓勵大家增加生活的歷練，別丟失幽默感。只不過，不管要怎麼入門，都別忘了：

「在成為喜劇演員前，要先成為演員。」

撰稿：鐘林盼

編輯：呂嘉薰（薰鮭魚）