課堂筆記｜高鳴盛Ｘ解孟儒：表演與剪接的關係

觀影時，「剪接」這項極重要的幕後工作常被觀眾忽略。若沒有剪接師穿針引線，將導演、演員、攝影等人現場拍攝的素材重新排列組合，便不會誕生引人入勝的作品。同時，總得反覆看上好幾遍素材的剪接師，也是另一個對現場表演、對演員無比了解的存在。【給演員的10+2堂課】邀請兩位曾入圍金馬獎的剪接師——高鳴盛、解孟儒，來和大家聊聊剪接與表演之間，究竟有哪些化學反應呢？

剪接也是一種創作

若說編劇是為前期作業抓出支點，那剪接就是替後期定錨。每個在影片中出現的表情或演出，都是由剪接師與導演討論後決定採用的瞬間；不論是配樂、音效，都得等定剪後才有辦法開始進行。

在這樣的工作中，高鳴盛認為，剪接師無論如何都必須參與表演。

「剪接可以非常細微，一個角色聆聽的表情，如果剪他眨眼的瞬間，觀眾會覺得他好像沒用心聽人說話，如果剪他直愣愣地盯著的畫面，就會讓人覺得他很認真在聽。」其實就像演員，高鳴盛表示，剪接師都得入戲成為每個角色，才能最貼切角色的心情去剪出最適合的片段。

一旁的解孟儒頻頻點頭稱是，回憶自己在剪接《誰是被害者》的那半年，幾乎天天都覺得自己就是被害者，但若不沈浸在素材裡，全心全意感受那些或是陽光、或是陰暗的情緒，又怎能看得透徹？「我們就是在接受素材裡的內容，保持清醒地過濾和篩選，最後整理出可以用的片段。面對每個素材都是這樣的輪迴，接受、過濾篩選、整理……」解孟儒說得直白，剪接就是種創作的過程。

保持真誠，讓剪接師看到最好的狀態

在大量觀看素材時，是否有從中得出一些能提醒演員的地方？高鳴盛從現場拍攝方式提起，由於多半是配合場景「打橫拍」，演員可能同一天就拍了第一場戲與最後倒數幾場戲，「很多演員可能沒注意到，在戲裡的每一分鐘，角色都在劇烈地改變，隔幾場肯定是完全不同的生命狀態。」在這樣的背景下，演員得在每場表演中加入時間的歷練，才能讓素材在按照時間排列在一起時顯得合理。

解孟儒則認為，演員在表演當下的「真誠」，是很重要的。

反覆觀看素材，剪接師會對演員產生一個整體的感覺，「如果演員有東西敷衍了、漏掉了，就會在我們腦中植入一個印象，這種印象有時候是控制不了的。」所以，解孟儒也藉機提醒演員們：

「可以的話，平均分配你的體力到一天的每一顆鏡頭，這樣我才能看到你真正好的狀態，然後導演與剪接師在閱讀素材時，才能不被起伏不定的情緒影響，進而替這個角色思考更多的可能性。」

把觀眾考慮進表演中，用動作去影響觀眾的視線

至於，要如何在表演中加入「時間的歷練」、又真誠地呈現角色的心理狀態？

解孟儒提及，替角色做人物小傳，自然有助於整理角色每個階段的心情，但他也分享，在不同類型的電影中，導演要求的演法可能與演員做的人物小傳不相符，「比如說亞斯伯格症，真實世界的亞斯伯格症跟戲劇世界的亞斯伯格症是兩件事情。」因此，他接著說，編劇也需要扮演觀眾，替演員把關，讓演出來的角色受觀眾喜愛，才算成功。而作為演員，應該先釐清拍攝的片子類型，相信並配合劇組的需求，才是專業的表現。

「我發現觀眾很容易被畫面上在動的東西給吸引。」高鳴盛從另一個技術性角度說明演員如何將觀眾帶入角色的情緒中。他觀察到許多優秀的演員如戴立忍、黃健瑋、吳慷仁等，都很擅長控制自己只有某個細微的部位在動，例如一個皺眉、一次的眼神閃爍，甚至是吞一下口水，這在電影特寫鏡頭時，都會加倍引導觀眾去注意到演員的情緒狀態。

「演員必須要把觀眾考慮進來，什麼時候觀眾是遠遠地看你？什麼時候又是近近地看你？要知道劇本裡觸動觀眾的moment是什麼時候，然後懂得用動作去影響觀眾的視線。」

剪接師最後選擇的，都是有情緒的當下

因此，高鳴盛強調，演員是需要了解剪接的，目的在於知道自己的表演會如何被使用。「剪接一定是在整部片的主題下去做修整，不是以演員為主，也不是以導演為主，重點是在故事核心與劇本架構。」在這樣的前提下，即便配角演得再好，剪接師也得忍痛把它縮短；又譬如說，第三場動作戲拍得比第十二場還要好看，也要把第三場剪得很無聊，「顧全大局」，劇情才能精彩。

延伸自高鳴盛的分享，解孟儒認為，這都是演員必經的修煉。「演員要掌握劇本給這個角色的空間，如果他是一個相對單一的角色，那也沒關係，就去接受它，然後盡力做好。一直一直經歷這個過程，最後會找到一個健康的心態去看待這件事，你也就不會有過多的表演慾，這時候你的素材看起來就會讓人覺得舒服。」

講座的最後，高鳴盛提醒演員，雖然要試著了解剪接，在表演時卻千萬不要顧忌太多。

「不論是幕前或幕後的所有技術，都是用來幫助角色表達情緒，不論有焦、沒焦、動作連不連戲，都不是最重要的，角色的情緒不連才麻煩。」

全心全意進入角色、浸入情緒，拍出的內容自然會產生更多發揮的空間，一如解孟儒所言：「對剪接師來講，我們最後選擇的，都是有情緒的當下。」

撰稿：田育志

編輯：呂嘉薰（薰鮭魚）