最近我在整理表演筆記時，重讀了拍手之前的一篇精華文《導演說的都對？演員如何與導演溝通？》，同時也讀到了一篇來自北美的實用指南《如何快速又有效地接受導演給的「筆記」》。
這兩篇文章，一篇集結了台灣多位導演（林君陽、江金霖、廖明毅）與演員前輩的經驗談，探討的是「共同創作」的藝術；另一篇則是非常美式的工業化思維，講求「精準執行」。
身為一個在台灣受訓、在美國進修，現在正嘗試融入加拿大影視產業的演員，我發現這兩篇文章放在一起讀，拼湊出了最完整的「片場生存指南」。
在這裡整理出三個我最有感觸的重點，分享給正在這條路上的大家。
在北美的文章中，有一個觀點讓我印象深刻，那就是：「不要浪費時間解釋（Don't Explain）」。
我曾經擔任一個小型製作案的選角，演員很認真在家準備他的表演，不過到了現場，導演決定改變一些方向。導演嘗試跟他溝通，他聽不進去以外，還想解釋他的表演邏輯。
這時人之常情，我們在拿到他人的「糾正」時，第一反應往往是想捍衛自己：「導演，其實我剛剛是想表達……」或是「因為劇本這裡寫……」。但在快節奏的片場，這往往是無效溝通。我想拍手文章裡提到的「仔細聆聽」與北美文章強調的「放下防禦」，其實是同一件事。
別把「筆記」預設成你的演技攻擊，其實筆記的存在是為了服務故事。 你在演的是「單一角色的真誠」，但導演看的是「整體故事的流暢」。當我們急著解釋時，其實就關上了耳朵。試著把「可是我……」吞回去，換成「好的，我試試看」。你會發現，當你願意直接用表演來回應，而不是用言語來辯解時，導演對你的信任感會大幅提升。
林君陽導演在拍手的講座中提到一個很棒的概念：「不是準備好了，所以沒有問題；而是準備好了，去處理一定會不斷發生的問題。」
很多新演員會把「做功課」變成一種「防護罩」，到了現場死守著自己在家排練好的演法，一旦導演要求更改，就慌了手腳。在試鏡間有時也會遇到這樣準備得很好，但現場不好改的演員。
但真正的專業，是你對劇本熟到骨子裡，所以當導演說「這場戲節奏再快一點」或「這句台詞換個態度」時，你能像轉譯器一樣，迅速結合導演的指令與角色的核心。
正如文章所說，學會「翻譯」導演的語言。有的導演講感覺，有的導演講動作，不管他們用什麼語言，我們都要能轉化成表演的指令。這份從容，來自於你前期的準備是否足夠扎實。
我先生家有個傳統，每年聖誕節都要拍攝家庭電影。今年全家老小20幾個人聚在一起拍賀歲片，場景角色溝通好後就是即興發揮。
我發現幾個姪子姪女非常「在線」！雖然英文不是我的第一語言，但他們總能自動「翻譯」我要的畫面，並給出精準的表演。這種超越語言的默契，讓拍攝變得超級愉快，也讓我再次感受到：聽懂導演（即便那個導演是嬸嬸/舅媽）想要什麼，真的很重要！
遇到心裡過不去的導演筆記該怎麼辦？江金霖導演建議先理解背後的技術動機；而這點正好印證了我最近讀到一本 UCLA 表演老師的書（我也正在跟隨她學習表演），她常掛在嘴邊的一句話——「Process is Product」（過程即是成果）。
有時候我們需要去嘗試、去「玩耍（Play）」。 表演是流動的，有時候大腦覺得「卡」的地方，身體實際演過一次後，反而會發現意外的驚喜。如果不試，我們永遠不知道那是不是一條更好的路。就算試了真的不行，那也是一種「我們一起嘗試過」的夥伴情誼，這比什麼都珍貴。
最後，我想把這段話送給正在擔任氛圍演員的朋友們。或許你現在還沒有機會直接收到導演的筆記，但在片場，副導（AD）給你的指示，其實就是你的筆記。
當副導說：「這是一場嚴肅的法庭戲」或「這是一個歡樂的慶功宴」，這是創作的邀請。
雖然沒有台詞，雖然鏡頭可能只帶到你的肩膀，但你就是那個世界的「空氣」與「土壤」。如果你在法庭戲裡偷笑，或是慶功宴裡像個木頭，整個戲的真實感就會崩塌。
這時候，請發揮你身為演員最強大的武器——想像力。 即便只是一個「路人甲」，你也可以給自己一個目標：我為什麼在這裡？我在等誰？我現在心情如何？（這些設定，螢幕前的觀眾都看得到！）
溝通的原則是一樣的：聽懂副導要的氛圍（接收筆記），放下「我只是臨演」的自我懷疑（放下防禦），並用你的表演精準地填滿那個空間（執行）。
無論角色大小，只要在鏡頭前，我們都是說故事的人。