專訪導演邱立偉│發展台灣動畫產業，產官學和創作者得先解決這些事

「台灣動畫應建立合理的美學標準，蠻糾結這件事，很不甘心，台灣很多畫出來還是日本動漫，或很歐洲古典、很美式，沒有『根』。這是一個夢想，我想讓『台灣動畫』4個字成為一個招牌。」

要你隨口說一部動畫片，你可能會說《玩具總動員》、《可可夜總會》、《神隱少女》、《你的名字》，甚至是19年前的《魔法阿嬤》。有沒有發現，你回答的大多還是迪士尼或皮克斯作品，腦中難喚出真正屬於「台灣動畫」四字的形象。

這件事讓導演邱立偉愁得不得了。

面對日本、韓國等動畫產業日益穩固，台灣動畫卻還不脫歷史改編、鄉土文學等老祖宗的資產，畫風時而像宮崎駿，時而如迪士尼，如何讓人一講到台灣動畫，就有鮮明畫面或風格可聯想，是邱立偉多年來的努力方向，而他的確也快做到了！

新作《小猫巴克里》電影版始於邱立偉大學時期的繪本創作，曾以電視動畫版本拿下第46屆金鐘獎動畫節目獎，如今做成電影版，再度一舉入圍第54屆金馬獎最佳動畫長片，雖沒能獲獎，也光榮展現台灣動畫的實力。

《小猫巴克里》的場景設定在台南，且是非常在地的台南，既不美化也不醜化，邱立偉一筆筆畫出最真實的城市日常，因為他想建立可信的動畫世界，拉近動畫與現實、觀眾的距離，最重要的，為台灣動畫美學標準做一示範。

帶頭示範，不斷實驗台灣動畫的可能性

操著標準台南腔的邱立偉，做人極為客氣，談起動畫，既充滿期待也憂心忡忡，情緒底下鋪的全是對動畫的心愛。

從小看卡通、漫畫長大的他，自photoshop 1.0的時代開始摸索影像工作，如今搖身一變全台最多產的動畫導演，他破題笑道：「每行都有困難的點和要解決的問題，我不覺得那些是問題。最困難的是台灣動畫美學建立，再來是這個美學能否統一完整，怎樣看起來像同一部片。」開口閉口盡是台灣動畫美學，可見邱立偉多憂心這件事，及建立動畫美學標準的重要性。

「台灣動畫片市場一直有限，票房都差不多，但如何做出在地化、差異化，怎麼讓人家知道這是made in Taiwan，不要沒自信，很重要。」不管在製作面或創作面，邱立偉說，導演和團隊的心裡都該放著一件事：這部作品跟土地的關係是什麼？要提供觀眾另一個選擇，而不只有皮克斯和迪士尼，既然片子是台灣做的，就該合理地讓人能辨識它是從台灣來。

他帶著這樣的初心做《小猫巴克里》，動畫美學成了這部戲的製作重點，或許可以說，邱立偉想讓其他的動畫創作者相信，我們可以選擇忠實呈現，例如片中台南的雜亂騎樓、水溝蓋或陽春花圈，不必模仿，因為我們能嘗試樹立台灣動畫該有的風格。

但樹立美學風格，談何容易？

「既然要談台灣動畫美學，就來實驗吧，而不是一開始就說要日式還是美式，跳過了思考過程。美學是選擇、實驗出來的新的方式。」

在大學當副教授的他，越講越像在上課，讓人聽得投入。他解釋，電影動畫相較於建築、舞蹈、雕塑等，是很年輕的藝術表演形式，應該有很多可能性，不該制式化，更不該讓台灣慣行的製造業思維限制藝術的發展，日式、美式、歐式這些分類，只是讓學者方便歸類或跟觀眾溝通的一種偷懶方式罷了，儘管多去實驗。

當然，邱立偉深知這件事絕非一蹴可幾，光是統一《小猫巴克里》400人團隊的美學眼光，確保每個動畫師（也就是動畫世界的「演員」）表演出來的都是同一隻巴克里，就夠辛苦了。

「400個動畫師，包含美術，像布袋戲一樣。一個人畫一張圖很容易，400個人畫就很困難，工作有很多在溝通、協調。」此時，動畫導演的角色就很重要，腦子得有很具體的畫面，才能溝通角色如何建立和表現。

邱立偉從自己做起，不斷做、不斷試，以一年一部動畫片的速度，試圖突破台灣動畫產業的現況。問他何以創作不輟？答案很有趣，竟是因為「受夠了」。

製作一部電影動畫，動輒要3～5年，邱立偉坦言，會心生煩膩，譬如《小猫巴克里》電影版做了3年，接觸相同的口吻太久，同一個畫面看N次，數度覺得「夠了！」此時就會開始構思下個劇本，懷抱「下次一定要怎樣」、「不能再這樣」的心態，從現下的經驗延伸主題，成為創作遇瓶頸的「支撐點」。

好故事不該是拋棄式，好梗不等於網路笑話大全

正因製作一部動畫那麼耗時，邱立偉強調，故事很重要，講白點，創作者才不會浪費所有心血和時間。

他這樣定義「好故事」：「以後回來看，還是可以看得出什麼，而不是網路笑話大全，把很多梗丟進去，但看完一無所獲，過一週就徹底雲淡風輕。」邱立偉認為，故事要有主題，這個主題不一定是高深的道理，只要有觀點地好好談一件事，能給人安慰、勇氣、歡笑都好，不要淪為消費式、拋棄式的作品。

或許，這套想法放諸所有戲劇表演，都能成立。誠如他引用國際導演伍迪艾倫的名言：「生命一片黑暗，電影像是黑暗裡的一縷微光，讓我們看見生命可能的樣子。」動畫也該是如此，帶給每個創作者與觀眾一絲靈光，照出某些驚喜。

產官學三方積極解決這些事，台灣動畫產業可以很好

電影跟動畫電影都拍過的邱立偉，坦言還是比較喜歡動畫，因為動畫的變化夠大。

「電影是造夢工程，讓夢境變真實，但動畫會讓夢境更奇幻。」

他笑說，電影自1895年發明以來就在VR，把不可能、沒體驗過的統統搬到眼前，可是，動畫的趣味性，能造就更多世界與想像力，他深深著迷這種出乎意料的感覺。

只是，他正色提醒，台灣若想認真發展動畫產業，應先從產官學三方解決這些事。

產產：產業與創作者都應超越製造業的思維，因為現在面對的是要求更高、看慣迪士尼的觀眾，不是業主。

創作者該思考如何做出特色，用特色爭取觀眾的認同，而不是用民粹或民族主義去逼觀眾支持。觀眾不一定會介意用什麼技術，多認識目標觀眾，用有效率的方式跟觀眾溝通，才是重點。「到底要對誰講話？」、「如何用對方式講別人能理解的話？」他中肯表示，整個內容產業都該有這種覺醒。

官官：在政府部門方面，邱立偉常跟公部門互動，但他感慨，我國就是少了專責單位。近則有踢皮球或不夠了解的狀況出現，遠則缺乏動畫產業的戰略性發展。「政府不要一直消極餵奶（給錢），像交保護費，要我們不要再罵政府。」這話聽來幽默，卻隱含邱立偉很多無奈與微慍。

學學：學界應領先業界，積極從事研究或文獻整理去看到趨勢，或台灣在全球的戰略地位、內需市場統計等，讓創作者在拿捏預算、制定策略或企劃時有所憑依。

「我們沒有人力去研究、耙梳文獻，需要有人帶領避開危機，不是空有危機去賠錢，最後就消失了。」他認為，學界要擔任向政府建言、協助判斷之務，無奈的是，現今學界似乎變成補習班，等創作者開口說需要什麼人才，才幫忙開一些譁眾取寵的訓練班或產學合作班，不夠有高度，也顯得被動。

清清楚楚分析了這些，邱立偉話鋒再度回到影視產業身上，他希望整個產業能更重視研發、製作、發行、映演等上下環節的扣連與鑽研，而不單只是著重製作面，卻不懂發行、不知故事怎麼寫，影響作品的完整性和行銷力度。

他建議，跨國合拍是一個解決方式，可以達到學習不同思維、分散風險、分享觀眾、吸引跨國市場等效益。假設跟日本合拍，那就去學他們怎麼將角色商品化。

動畫人需具備：耐心、實驗精神、開放的態度、耐得住寂寞

很多人對動畫有興趣，卻無從入門，就像年輕時的邱立偉，覺得這是一個很遠的世界。

他以過來人的經驗笑說，想從事動畫相關工作並不難，最重要的是，你要具備耐心、實驗的精神、開放的態度；同時，要擁有對時間的敏感度，因為動畫是動起來的藝術、時間的藝術，做一個動作要用多少速度，快一點會有力氣，慢一些會變得猶豫，都不容半分差池。

除了上述條件，邱立偉說，你得搬到台南。這可不是胡說，他解釋，做動畫會花很長時間，要忍得住寂寞，又得保持舒服的步調，才會有靈感和心情前進。如果遭遇挫折，要知道那是每個創作者之必經，「我不夠好」這件事會不斷出現，邱立偉說，要用耐心帶自己跨越。

「我所有的耐心全用在動畫上，除此之外都沒耐心。」邱立偉大笑。他對動畫真的很有愛，憨厚表示很珍惜每次機會，會每年一部繼續下去，也拿來作為爭取更好的創作條件的本錢。

邱立偉的多數作品都以台南為背景，親自走訪街道去拍照、蒐集材料，再一張張畫成。台南是他的家鄉，他在這裡長大、安生立命，也讓他的團隊Studio 2獲得為台灣動畫產業扎根的根本；更偷一個方便，溫柔地發表對家鄉的眷戀與記錄。有人說，台南人都是念舊的，我想，邱立偉也是吧。

他為台灣動畫所做的創新都是從心出發，聽說之後將與荷蘭人跨國合拍鄭成功的故事，是不是很令人期待？

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撰稿：薰鮭魚

 攝影：Eason Lam